7 правил фотокомпозиции / 7 rules of photo composition

Сегодня, как и обещала, хочу поделиться своими знаниями о фотокомпозиции. На написание этого поста меня вдохновил мастеркласс по фотографии, который я посетила недавно и о котором писала здесь. Новую для меня информацию, а также познания в фотографии, полученные ранее, в том числе и опытным путем, я попыталась собрать воедино и адаптировать к теме фотографирования изделий ручной работы. Хотя примеры для наглядности будут также и из других сфер фотографии.

Итак, приступаем. Какие же существуют правила построения фотокомпозиции?

Правило № 1 – правило третЕй, являющееся упрощенным вариантом правила «золотого сечения».

Наверняка вы уже не раз слышали о золотом сечении, поскольку это основа основ любой композиции. Полная формула для расчета пропорций золотого сечения довольно сложна для применения на практике. Думаю, ее используют в своих работах художники, скульпторы, т.е представители более «статичных» творческих профессий. Фотографам же приходится больше полагаться на свой глазомер, а потому они упростили себе жизнь, придумав правило третей.

В чем заключается правило? Кадр условно делится на три равных части по горизонтали и по вертикали, в результате чего получается девять секторов. Значимые точки и линии кадра необходимо располагать на расстоянии 1/3 от края кадра. А для создания наиболее выигрышной композиции главный объект съемки желательно расположить на одной из четырех точек пересечения решетки.

Признаться честно, осознанно я это правило использую в основном при фотографировании пейзажей, где есть явная линия горизонта. Тут оно вспоминается у меня практически на автомате. И тут оно, на мой взгляд, оправдано на 100%, поскольку даже чисто интуитивно ощущается, какой кадр лучше скомпонован. Сравните: здесь линия горизонта проходит посередине:

А здесь кадр выстроен по правилу третей:

Как вам кажется, какой снимок гармоничнее смотрится?

Обычно при съемке пейзажей возникает вопрос, чему отвести на снимке большую часть – небу или земле? Логичнее отдавать предпочтение тому, что наиболее интересно. Бывает, например, красивое поле, но абсолютно никакое небо – ровное, без единого облачка. Однозначно отводим 1/3 небу и 2/3 – полю. Или очень красивый закат и необычные облака, а внизу спокойное море неопределенного цвета (как в моем примере). Тогда наоборот. Ну, вы поняли.

Поскольку главный объект в моем примере с закатом – солнце, то можно акцентировать внимание на нём, скомпоновав изначально или скадрировав кадр при постобработке таким образом:

Здесь и линия горизонта по правилам расположена, и солнышко примерно в главном зрительном центре. Но поскольку солнце здесь выступает единственным ярким объектом, и ничего не отвлекает от него внимания, то можно, в принципе, оставить его посередине.

На мой взгляд, размещение объектов в узловых точках необходимо, если у нас сложная композиция, состоящая из главного и второстепенных объектов. Психологически человек в первую очередь обращает внимание именно на точки кадра, определенные по правилу третей, и затем начинает рассматривать остальные детали. Так, например, портрет человека будет более выразительным, если линия его глаз находится на 1/3 от верхней границы кадра. Если акцент на глазах нам не нужен, а нужно подчеркнуть, к примеру, красивый головной убор этого человека, то размещаем этот головной убор на линии акцентирования.

Теперь попробую показать несколько примеров применения правила третей при фотографировании своих рукодельных работ. Не знаю, правда, насколько эти примеры удачны : )

Пример 1 – змея. Здесь сначала взгляд останавливается на глазах и языке, а затем скользит по остальным деталям игрушки:

Пример 2 – птички. Здесь также я сделала акцент на глазках и клювиках, и это первое, на что обращает внимание зритель. Хотя и на нижней линии также находится объект (веточка), но он второстепенный и меньший по размеру, и не забирает на себя внимание.

И в заключении к правилу третей хотелось бы сказать, что при всей его серьезности и психологической обоснованности, не стоит считать это правило беспрекословным. Правила для того и созданы, чтобы их иногда нарушать. По большому счету, все зависит от обстоятельств и идеи, которую хочет донести фотограф.

Правило № 2: тёмный низ, светлый верх.

Обоснование этого правила также кроется в нашем подсознании. Мы привыкли к тому, что внизу находится тёмная земля, а вверху – светлое небо. Всё, что наоборот, вызывает у нас подсознательную тревогу и беспокойство, ощущение неустойчивости и ненадежности, поскольку интуитивно кадр воспринимается как перевёрнутый. Правильные примеры приводить не буду, приведу неправильный :)

Думаю, с этим кадром всё понятно: темного в верхней части быть не должно.

Правило № 3: правило диагонали.

Означает оно буквально следующее: в кадре гармонично смотрятся объекты, расположенные по диагонали. Диагональ как бы придает кадру динамику, делает его интереснее. Это свойство очень легко применять в любых ситуациях. Например, в пейзажной съемке – это уходящие в даль загадочные тропинки, дорожки и дороги. Зритель как бы думает - а что же там, за поворотом, что осталось за кадром?…

… в архитектуре – это линии домов, окон, мостов, заборов и прочих элементов …

… в предметной съемке – это любые выстроенные в ряд предметы…

… или один предмет …

Для сравнения – тот же листик, но лежащий практически поперек кадра. Уже смотрится не так гармонично, правда?

И конечно же съемка изделий ручной работы, как предметная съемка – это благодатная почва для применения правила диагонали. Можно отдельное изделие снимать в ракурсе под углом, а можно выкладывать в ряд набор из изделий. Кстати, повторяемость предметов в кадре, особенно повторяемость одинаковых предметов – это сам по себе довольно мощный прием. А если композиция выложена по диагонали, то зрительный эффект усиливается вдвойне. Я очень люблю пользоваться правилом диагонали при съемке своих работ.

Правило № 4: два активных цвета.

Давно замечено, что наиболее гармонично смотрится кадр, в котором использовано два основных цвета. Тогда глазу спокойно и приятно воспринимать содержание, его ничего не отвлекает. Пестрота, конечно, тоже имеет место быть, но только тогда, когда она идейно оправдана.

В цветовом балансе даже самые мелкие детали имеют значение. Создавая композицию, нужно следить за тем, чтобы в кадре не было лишних цветовых пятен, пусть и небольших. Например, если вернуться к фотографии с детскими машинками, можно увидеть, что в ней используется 3 активных цвета. Это, в принципе допустимо, поскольку сглаживается использованием правила диагонали. Но то, что портит этот кадр – это небольшое зеленое пятно в верхней части. Таких случайностей быть не должно.

А вот еще одна из наших конкурсных работ – фотография студентки. Как нам объяснил профессиональный фотограф и по совместительству член жюри, этот кадр был бы практически идеальным, если бы надпись на щеке девушки соответствовала цвету её одежды (была бы синей или желтой). Ну или если бы на студентке было красное пальто в тон надписи :)

При съемке своих рукодельных изделий, мне кажется, проще придерживаться цветового баланса, чем при спонтанной съемке в естественных условиях. Хотя бы потому, что каждый мастер, как правило, в работе старается гармонично подбирать цвета. Все, что остается сделать при фотографировании – это подобрать фон и другие предметы для декора в той же цветовой гамме:

Правило № 5: замкнутые линии в кадре.

Создавая композицию, очень важно помнить о том, что на неё будет смотреть зритель. А он будет «читать» вашу фотографию так же, как привык читать книги – слева направо (если, конечно, зритель не является представителем Востока). Исходя из этого, желательно выстраивать объекты в кадре, чтобы глаз как бы поочередно переключался между предметами и «ходил» по кругу, не выходя за пределы снимка. Эту особенность можно усиливать с помощью цветовых акцентов. Например, если на фотографии есть 3 цветовых пятна, выстроенных треугольником, для зрителя такая картинка будет притягательной, он будет поочередно рассматривать предметы и при этом не «вылетать» из кадра. В этом заключается магия фотографий, которые хочется рассматривать.

Осознанно этим приемом я пользуюсь редко, поэтому у меня возникли сложности с поиском подходящего примера. Попробовала сделать такую композицию. Не уверена, что она идеальна, но надеюсь, что правило она все-таки демонстрирует :)

Правило № 6: баланс свободного пространства.

Правило означает, что в кадре должно быть свободное пространство, причем в оптимальном соотношении. Слишком мало (когда объект съемки практически упирается в рамки кадра) – это плохо. Но и слишком много пустого места – тоже не очень хорошо. Неинформативную пустоту желательно чем-то заполнить. Например, если в кадре много «пустого» неба, кадр выглядит скучным. В идеале лучше дождаться красивых облаков или перекомпоновать кадр таким образом, чтобы неба в нем было меньше. Мозг любит обрабатывать информацию.

Как пример, приведу такую фотографию:

Мне показалось, что здесь «гуляет» много места, поэтому я решила, что более выигрышно будет смотреться такой вариант(да здравствует кадрирование! :))

Теперь неинформативной пустоты стало меньше, а руки попали в зрительный центр внимания по правилу третей. К тому же здесь руки расположены по правилу диагонали, и с количеством активных цветов тоже все в порядке. Так что кадр можно считать удачным :)

И, наконец, правило № 7: ничего лишнего на заднем плане.

Снимая главный объект, важно помнить о фоне. Даже самый хороший снимок можно испортить, если в поле зрения попадут, к примеру, провода или столбы, разрезающие кадр. Или если из головы модели будут "расти" стволы деревьев и прочие предметы. Примеры «неправильных» фотографий приводить не буду, думаю, с этим все понятно. Если на заднем плане много мелких деталей, желательно снимать при маленьком значении диафрагмы, чтобы фон получился размытым и акцент был на главном объекте:

В общем, как вы видите, большинство из рассмотренных правил композиции основано на психологическом восприятии. Поэтому очень важно, кроме изучения правил, также развивать в себе видение и стараться оценивать свои работы глазами зрителя. Таким образом, я уверена, можно научиться подсознательно использовать различные правила, даже не зная о них...

На этом пока все. Я описала самые основные правила композиции. Надеюсь, у меня получилось доступно изложить свои знания и опыт. Очень прошу, не судите меня строго, если вдруг что-то не так. Я не волшебник, я еще только учусь :) Буду рада, если вы в комментариях дополните меня своими знаниями и наблюдениями.